"Van Gogh ou le suicidé de la société" - Antonin Artaud.

Il y a quelques années, à la Maison de la Poésie, Van Gogh où le suicidé de la société d'Antonin Artaud fut mis en scène. Je me souviens que ce spectacle m'avait touchée car je découvrais alors un texte d'Antonin Artaud d'une grande détresse. J'avais alors écrit une chronique sur le spectacle que je livre seulement maintenant sans qu'elle n'ait pourtant perdu de son actualité littéraire et artistique. 

Auteur du célèbre essai Le Théâtre et son Double, Antonin Artaud écrit à la fin de sa vie un essai sur l’artiste-peintre Van Gogh et son suicide, suicide qui a été, selon lui, provoqué par la société castratrice dans laquelle l’artiste se sentait vivre.

La genèse de Van Gogh le suicidé de la société, c’est la révolte d’Antonin Artaud à la lecture d’un article du docteur Berr croyant pouvoir diagnostiquer chez le peintre une schizophrénie du « type dégénéré ». Antonin Artaud alla voir l’exposition Van Gogh à l’Orangerie et revint écrire le premier jet de Van Gogh le suicidé de la société dont les premiers mots sont « On peut parler de la bonne santé mentale de Van Gogh » … et plus loin « Non, Van Gogh n’était pas fou ».

En réalité, Van Gogh est Artaud et Artaud est Van Gogh. A travers le récit de la folie de Van Gogh, c’est sa propre histoire qu’il relate. En 1937, Artaud est interné d’office en asile psychiatrique à Rodez. Le voici coupé pendant 9 ans du monde. Lorsqu’il sera rendu à la liberté, en 1946, Artaud hurlera, dans des textes où chaque mot n’est plus qu’un bruit, un cri, sa détresse et sa rage : rage contre Dieu, contre le sexe, contre son corps rongé par le cancer, contre la société qu'il dit l'avoir suicidé comme elle avait déjà suicidé Van Gogh. Les deux hommes étaient malades et peut-être fous, mais dotés d’un génie qui dérangeait, selon Artaud, les conventions dictées par la société. 

C’est ainsi que, pendant 1h20, on assiste à une performance incroyable de l’acteur Rémi Duhart qui a réussi à donner vie à ces deux personnages et, qui a réussi à traduire simplement une écriture d’approche difficile. A travers la parole de l’acteur c’est celle d’Artaud qui prend vie. Rémi Duhart ne joue pas Artaud, il est Artaud. Il est ce personnage fou et intelligent, attachant par sa détresse qui évoque et décrit les paysages peints de Van Gogh et, à travers ses couleurs, son histoire. La mise en scène de Claude Confortès est très juste : une table à laquelle Artaud écrit son texte en même temps qu’il nous le raconte, des notes de percussions qui font raisonner sa parole et des reproductions de Van Gogh posées sur des chevalets qui donnent vie à l’artiste suicidé. Un portrait de Van Gogh et un autre d’Artaud met en parallèle les deux vies, comme deux miroirs…

Mathilde Gautier, mai 2004.

Antonin Artaud par MELMOTH

Cendrillon à Paris.

Décembre 2011. Paris. Cendrillon est à l'honneur dans la capitale. Le conte de Charles Perault est revisité par deux spectacles exceptionnels : l'un mise en scène au Théâtre de l'Odéon par Joël Pommerat, l'autre chorégraphié par le défunt Rudolph Noureev à l'Opéra Bastille (livret de Sergueï Prokofiev).

L'un est du théâtre, l'autre un ballet. L'un s'attache au chemin initiatique de l'enfant vers l'âge adulte, l'autre décrit la magie d'une époque où le cinéma hollywoodien créait la magie. Dans les deux cas, le spectacle vaut le détour. 

Si vous ne les avez pas vus, rassurez-vous, Cendrillon de Joël Pommerat sera en tournée en 2012 en France et en Belgique. Et Cendrillon de Noureev est un classique que l'Opéra de Paris saura remettre au goût du jour... 

Cendrillon de Noureev/Sergueï Prokofiev.

Le ballet de Noureev est connu depuis sa création pour l'Opéra Bastille en 1986. Léger, drôle et fait de paillettes, il revisite les codes de la danse classique avec des mouvements très cassés, de la couleur et l'apparition de danseurs transexuels. Traité sur le mode de la comédie musicale, il présente une Cendrillon qui rêve d'être une star de cinéma au bras de son prince. Quant au prince, il cherche chaussure à son pied, au sens littéral du terme, puisqu'il fait la tournée des cabarets : après avoir séduit celle qu'il pense être Cendrillon, il lui fait essayer sa chaussure sans qu'elle puisse entrer dedans et la rejette par conséquent, en quête d'une nouvelle Cendrillon qui aura la pointure parfaite.

Le conte a cela de cruel qu'il laisse croire aux petites filles qu'en embrassant un crapaud, il deviendra prince. En réalité, il faut croire que les princes n'existent pas (sauf au cinéma) mais que les crapauds, eux, existent bel et bien ! 

Cendrillon de Joël Pommerat.

Joël Pommerat nous offre un nouveau spectacle tout à fait réussi dans lequel on retrouve tous ses subterfuges, jeux de lumière et noirceur qui provoquent cette ambiance froide et raffinée qui lui est propre. Les spectacles de Joël Pommerat sont toujours à la limite du pire de ce dont est capable l'Humanité. Toujours drôles, toujours cyniques, ses spectacles s'attachent d'habitude à peindre un tableau redoutable du monde du travail et aux souffrances absurdes des individus incapables de vivre respectueusement entre eux. 

Ici, il nous offre un spectacle sur le parcours initatique d'une jeune fille qui a perdu sa mère trop jeune et qui croit qu'il faut toujours penser à elle pour continuer à la faire vivre. Plutôt que de vivre sa propre vie, elle se réfugie dans une pensée obsédante dont elle pense qu'elle la sauvera de son chagrin, d'un deuil qui n'a pas été fait, d'un père maladroit qui ne sait pas l'aimer et de la peur de grandir. Débordée par son imagination, elle s'invente un monde pour échapper à une réalité trop violente. Elle grandit pourtant dans une famille recomposée, avec une belle-mère totalement autocentrée, tyrannique pour ne pas dire histrionique, et des soeurs bêtes et insipides. Tous ces personnages sont d'une vérité déconcertante. Joël Pommerat réussi là encore à décrire des comportements humains avec cette franchise décalée qui caractérise si bien son travail.

Sandra, dénommée tout d'abord Cendrier par ses méchantes soeurs à cause de l'odeur des cigarettes que son père fume toute la journée, deviendra accidentellement Cendrillon pour son prince. Ce prince qui n'a jamais autrement vécu que reclu par peur d'affronter le monde et la vérité de la mort de sa mère. Ces deux jeunes adolescents se retrouvent soudainement face à face, face à un désir déconcertant de jeunes enfants qui découvrent un désir d'adulte dans le regard de l'autre. Ce désir passe aussi par un deuil commun, le deuil de leur mère et le deuil de leur enfance. L'un et l'autre, ensemble, parviendront à accepter leur vérité : celle de la mort, de l'acceptation de la perte et de la découverte de l'autre. Un beau spectacle vers la lumière. 

® Cici Olsson

Mathilde Gautier

Du visible à l'invisible : Gerhard Richter à Londres.

Gerhard Richter n'est pas vraiment connu du grand public mais il est pourtant l'un des plus grands artistes de notre époque et l'un des mieux côtés sur le marché de l'art moderne.

Né en 1932 à Dresde, en Allemagne, il commence a se faire connaître au début des années 1960 pour ses "peintures photographiques" : à l'inverse des artistes modernes qui tentent de déconstruire l'art figuratif et d'en transgresser les règles par l'abstrait, Richter explore la photographie par une représentation de l'image "ultra réelle". Il représente par la peinture l'image saisie par la photographie. Il enveloppe les formes des objets peints d'un effet vaporeux tel le sfumato de Leonard de Vinci, ce qui donne une impression de flou lorsque l'on regarde de près et de très forte netteté de l'image lorsqu'on éloigne son champ de vision. 

Sa maîtrise pointue des techniques lui permet d'aller plus loin dans l'exploration du visible et de l'invisible avec l'art abstrait. Sachant représenter la réalité à la perfection, Richter aborde l'abstrait avec un vrai désir de dépasser les codes techniques de l'art : ses oeuvres abstraites sont une recherche de la matière et de la couleur. Cette couleur en cache toujours une autre avec cette finesse brute si particulière du travail de la matière qui laisse finalement transparaître un paysage sous l'incompréhensible magma de peintures. 

Quant à ses séries de bougies et de crânes, on peut en avoir deux lectures : une liée aux interrogations métaphysiques de l'artiste, au temps qui passe, à la mort... Et une autre qui dénonce une société baignée dans la représentation du kitsch. 

Au-delà de son exploration des codes de l'art et de sa recherche technique, Richter est un artiste engagé dans une société allemande marquée par les violences de la bande à Badeer. Il n'hésite pas à relancer un débat en Allemagne par le biais d'une série de peintures représentant les coulisses de la violence de ce triste événement. Il explorera d'autres thèmes comme Dresde anéantie ou les tours du World Trade Center. Là encore il essaie de représenter la réalité au plus près de ce qu'elle est. 

Une exposition à ne pas manquer et un artiste à (re)découvrir si vous avez l'occasion de passer à Londres. Autrement, il faudra attendre 2012 pour la visiter au Centre Pompidou, à Paris. Une occasion de montrer aux yeux de tous cette explosion de couleurs et de sens. 

M.G.

Exposition Gerhard Richter - Panorama - Tate Modern de Londres jusqu'au 8 janvier 2012. 

Détail © Mathilde Gautier